赶夜场去看了场《灌篮高手》,享受一场畅快淋漓的篮球赛,整个人被点燃的快乐。据说「The First Slam Dunk」是《灌篮高手》首部大电影,也是最后一部。本来只想体验一把爷青回的热血,却在回来的夜风中思绪翻涌,想了好多好多。巧的是,刚走出影院,就收到手机推送的消息,星舰发射失败,这两件事竟然神奇的在这一刻交汇到一起,让我脑中浮现出一句“意志之美”。是的,无论是这部电影,还是这则新闻,人类都在歌颂意志的力量,我们的意志是这个宇宙间最美的东西,还有我们为之驱动所做的一切努力。星舰,正是人类向着宇宙发出的一次意志的伸展,就像一个婴儿第一次发出自己的意志,说出第一个“不”,他推开妈妈的手,走出自己的第一步,就算摔倒也是成功。就像星舰,它仍然牵动所有人类的心,它变成烟花绽放在夜空里,它是我们共同发出的却未曾达成的意志,而这也是《灌篮高手》的魅力所在。
日本这个国度真是神奇,他们能写出最丧最黑的东西,也能做出最热血最单纯的东西,也许这两者本就同为一吧,正是因为对热血和单纯的渴望总被现实一次次击碎,所以才明白最深的黑暗和悲凉。总要爬到最高的地方,看过最令人神魂颠倒的风光,然后跌落下来,才会砸成最破碎的灰烬。
而《灌篮高手》成为日本热血漫画中的经典,选择了篮球成为寄托热血的最佳载体。读书人总是容易轻看体育,认为体育生有肌肉没大脑,其实运动从来不是肤浅的东西。就说篮球吧,它其实是动中有静的运动,在不停的冲撞,奔跑和跳跃中,还需要有极强的稳定性和精准度,才能敏锐的抓到一个瞬间的机会,把球投中远处高处的小小靶心。人在动,心却要静,这是极致对抗的练习,个中高手要做到对身体和大脑的完美把控。同时,还需要和队友打好配合,体力与判断力,信任与默契,速度与敏锐,力量与决心,哪个环节出了问题都很难打出一场漂亮的比赛。
因此欧美教育中非常看重体育,相比于纸面考试,体育运动更能锻炼和考验人的综合素质。我们之所以爱看篮球,或着迷于任何竞技比赛,归根到底是迷恋其意志的极尽伸展。在球场上,人们针锋相对,碰撞与推搡,追逐与拦截,抢夺与挑衅,每个人都在充分释放自己的攻击性,一切目的就是战胜所有竞争者脱颖而出,拼尽全力去为自己赢得想要的东西。
精神动力学认为,人的动力或者说生命力有三种:自恋,性,攻击性。其中任何一种只要畅快流动就会带来巅峰体验,健康的自恋带来竞争,而健康的攻击性带来意志的伸展,但现实中很多人的攻击性都不被允许,因为它带有破坏性,意志彼此之间是有冲突的,因此强者总是压抑弱者的意志,比如父母或老师会压抑孩子的意志,领导压抑下属的意志,而男性也容易压抑女性的意志。而强者也往往会过于伸展自己的意志甚至发展为恶性自恋,从而形成强者愈强,而弱者死亡的局面。
我一直思考这个现象,那就是在现实中,为何总是男性痴迷于球类竞技的更多,有人说,这是天性,因为男性天生具有进攻性,有猎人本能,但我认为这更是文化性,因为文化始终在鼓励男性竞争,去伸展和实现自己的意志,而女性往往被教导要成为辅助者,去帮助男性实现他们的意志,女人要牺牲,要顺从,要为男人照顾好家庭,让他们没有后顾之忧,因为他们要去拼搏,要去竞争,要去碰撞,去广阔的世界里猎取自己想要的一切,去充分伸展自己的意志,并完成自己。
前阵子和两个女生聊天,其中一个正在经历分手,她的男友可以称之为五毒俱全,把各种所谓“男人的错”全部踩过一遍,但她却还是和这人在一起很多年,她说当年这个男人一路跟着她回家,苦缠她做自己的女友,而她这些年其实一直想分开。我真为她的被动感到吃惊,她明明是一个非常好的女孩,漂亮,单纯,却如此低自尊,从来不知道自己想要什么,社会文化教导女性要被动,要等男人来追求,很多女孩都是被动的,追求者中谁追的最狠就和谁在一起,就以为是爱情。
看起来,被追的女性是高位,其实追求者才是真正的高位,因为追求者伸展了他的意志,他想的是我要什么,于是全力以赴的争夺他想要的东西,而被追求者只是猎物,所以女性常常迷惑,充满不安的询问男人,你爱我吗?因为这段关系本身就仅仅建立在对方的爱之上,当对方不爱了,我就不再珍贵了,因为我从来不知道我想要什么,我爱的是什么,我从来没有伸展过自己的意志,去坚定的挑选和追求我要的东西,我不关心我爱谁,却整天诚惶诚恐的担心别人不再爱我。
而敢于伸展自己意志的女性通常像个坏女人,武则天,又或是斯佳丽,她们清晰的知道自己要什么,从不为自己的欲望感到羞耻,于是社会文化会替她们感到羞耻,因为她们多少破坏了对女性的刻板印象。
因此,我们总看到男性热爱体育赛事,常常痴迷其中,看的热血沸腾,而女性则更着迷于研究爱情,研究食物和家居,很多女性会把家里是否干净,厨艺是否高超作为自己骄傲的成就,而男性往往对这些事漠不关心,这真的只是生物性差异带来的区别吗?如果文化不对两性冠以不同的期待,我想一定也会有更多女性更敢于伸展自己的意志,释放自己的攻击性,会着迷于去成为猎手,去竞技场上抢夺与碰撞,去感受自己的力量和强大。
女性,或者说一切弱者,若不早点意识到这件事,就很可能成为空心人。前几年经常看到报道,当代大学生就像得了空心症,从小努力学习最终考上名校,却失去了生活的目标,感到极其迷茫,甚至觉得活着没有意思,不如死去。这其实正是因为,好好学习,考入名校从来不是这些孩子自己从内心生发出的意志,只是社会和父母告诉他们这是成功,有一天的确“成功”了,却发现内在的生命力已经泯灭了,没有动力,没有意志,没有想要的东西,所谓的成功都如此苍白和无趣,因为他们从来没有成为自己。其实只有一种成功,那就是按自己的意愿过一生。除此之外,都叫失败。
被动者只是工具,而不是人。所以如今强AI尽管博古通今拥有超群的分析力,但它却没有意志,起码现在还没有,它到现在还只服务于人类的意志,只是工具,人类最恐惧的就是AI拥有意志,因为当一个比我们更强大的存在开始伸展它的意志之时,很有可能就是弱者的意志幻灭之时。
但意志的成熟和强大,它并非突然就能有的,它也需要孵化和成长,它就像蛋壳中柔软的蛋液,被包裹在两层壳中,一层是母爱的软壳,一层是父爱的硬壳,要足够时间,温暖,等待,最终才能强壮到破壳而出。这部电影的核心人物,无疑是宫城,他失去了父亲又失去了哥哥,如同失去所有硬壳,因此他的孵化更为艰难,他就像只有软壳包裹着的一枚鸡蛋,也依然孵化出了自己,生命就是如此神奇而强壮的东西,只要给它一点机会,它就会努力找到自己的方向。
球队中的每个人,都在努力孵化着自我的诞生。流川枫从一个绝不传球单打独斗的人,学会了把球传给队友,这正是从封闭走向关系的一个重大突破,这并非示弱,相反这说明他变的更加强大。而樱木花道之所以一直赢得最多人气,正因为他的自我是孵化最快的,肉眼可见的一天天在成长,他那一头红发就像小太阳燃烧着倔强的意志之火,哪怕重伤也不肯下战场;而三井的蜕变是从迷失到回归,叛逆其实也是意志的展现,只是他未曾确定自己的方向;而赤木是球队的核心人物,他身上的攻击性已近成熟,释放出稳定而坚定的力量。
但值得一提的是他们的教练安西,他是孵化这群孩子的绝佳容器,一个好的容器就应该是他这样的,当你做好时,认可你,当你受挫时,支持你。可以被冒犯,也可以被颠覆,提供指引与保护,让你能够倾注焦虑从而变的平和,让你勇敢试错直至一飞冲天。若没有这样的容器,幼小的孩子极可能孵化失败而夭折,而这个容器小到可以是一个身边人,大到是整个社会文化,若实在没有这样的容器,也可以在心里给自己建造一个,给自己找一个理想中的父母,内化在心里,重新孵化自己直至自我重新诞生。
当年《灌篮高手》的漫画连载的时候,井上雄彦20岁左右,与其说他最擅长的是高中生的视角,倒不如说他只了解高中生的视角。他自己,也是这么认为的。在这之后,《灌篮高手》的故事终结在全国大赛,角色因此永不会变老,但我们和井上雄彦,都会长大。
所以,在30年之后再来看《灌篮高手》,仿佛就是在重看我们自己的少年时代,但是是以完全不同的视角。井上雄彦非常明白这一点。也是因为这样,《灌篮高手》电影版才会从完全不同的角度切入。这个不同的角度可以从两条线来理解,一方面,是影片绝对主角宫城良田的视角;另一方面,则是它用那场从未动画化的全国大赛,贯穿了整部电影。
这是与动画原作完全不同,但又始终聚焦在《灌篮高手》精神上的一次呈现。我更愿意说,这是《灌篮高手》在这30年里的成长。那批少年,也因此以更为透彻、更理解青春、更痛楚地热血着的方式,出现在了我们的面前。而我们,也因为已经跨越到成人世界,才更理解井上雄彦想要在《灌篮高手》里坚持的那种遗憾美学。
先来说说宫城良田。在漫画原作中,宫城良田是个比较特殊的存在。一方面,他以“身高矮”作为典型的个人特征。对于对身高有着残酷要求的篮球场来说,这几乎可以说是一个“特别关照”的设定了。举个例子,在动画原作刚开始的时候,篮球菜鸟樱木花道,是比流川枫高一公分的。
宫城良田的另一个特殊之处,还在于他是二年级生。《灌篮高手》在一开始就通过不同年级间的前后辈压力展开了矛盾和压力,樱木花道和流川枫既是对手,也是一年级新生的代表,意味着新鲜、活力和突破常规的存在。而以赤木刚宪和三井寿为代表的篮球老人则是三年级生,意味着规则、保守和坚持,以及在“退休”前必须达成夙愿的拼死一搏。
这么一看,你们应该就明白了宫城良田的尴尬位置,他是夹在中间、不上不下的二年级生。在樱木花道、流川枫、赤木刚宪和三井寿的人物弧光下,他甚至有些像喜欢看《灌篮高手》的我们。是这个热血故事里的一员,却并非主角。
但这次,他成了当仁不让的主角,并且,还有了非常完整、动人、深刻的个人故事。用井上雄彦的话来说,是“我这次就想讲述良田。”
熟悉漫画的人应该能从电影中良田的故事里,看到番外《耳环》的脉络。良田哥哥的出现和意外去世,让良田这个人物,有了非常厚重的质感。比起那些活在优秀兄长阴影里的兄弟关系,良田和哥哥之间的关系其实更近一步,他们还共享着相同的篮球梦想。
这其实是非常残酷的。我们看到良田和哥哥使用一样的球队号码,站在房间凝望哥哥的奖杯,在打球时总被别人拿来和哥哥比较。
可这段兄弟关系还是以一种既温情又共振的方式植入到了良田的生命里。当良田套着哥哥的红色旧护腕,对着它说“走吧”,就好像是要带着哥哥,一起去实现打败山王的梦想的时候,这大概就是独属于少年的,那种闪耀着纯粹之光的时刻吧。
一个很有意思的细节是,在宫城良田的背景故事中,从来没有出现过爸爸。也就是说当哥哥去世后,这个男孩子在妹妹和妈妈的面前,就成为了家中唯一的男性。
他不能再是弟弟,甚至也不能再是儿子,当然也不能再是男孩。他必须成为男人,成为队长,成为宫城良田。
这或许,就是如今的井上雄彦才能写出的故事。
就像他自己说的那样:“那之后我年纪也长了,视野随之也变宽了,我想要描述的东西也变的更多了。在“SLAM DUNK”之后我也画了《浪客行》和《REAL》,也被他们影响到了,我想,这是一个自然的变化吧。”
从这个“成年人的视角”,我们终于也能来说说全国大赛的部分了。这部分没有被动画化有很复杂的原因,在这里我们就不赘述。但我反倒觉得,到如今它才被搬上银幕,反而是《灌篮高手》那份“遗憾美学”里的最后一笔,是那颗最后才落下的,决定胜利、也决定神作的关键性一球。
它就像是漫画结尾处,那个用24秒、44页画出湘北反超山王1分的关键球的超长神级分镜里的唯一一句台词:“左手只是辅助”。这句唯一的台词里蕴含的深意是,故事里的那些角色,总是要到最后,才能明白一些道理。而观看故事的我们,或许也要不再是少年的今天,才能完全读懂这些成长背后的意义。
我们能从每一个角色身上看到那种“抛掉一点自己”,又“获得更多自己”的成长。流川枫终于从单打独斗到学会了传球,樱木花道从一开始只想灌篮耍帅到学会了投篮,宫城良田克服了身高、哥哥和不擅长投篮的心理障碍,赤木刚宪必须直面自己既渴望又恐惧冠军的心态,三井寿曾被篮球拯救、如今也想要拯救这一场比赛。
这是属于少年的成长和遗憾美学。他们必须要学会一些自己所没有的东西,即便这过程必须要抛弃些什么、割舍些什么、为许多东西而痛苦,但他们也必须经历这一切。因为没有任何真谛,是能够跨过“自己去经历这一切”来获得的。
大概也正是因为这样,在故事的结尾,井上雄彦才告诉了我们泽北荣治在神庙祈福时候许下的那个愿望——“请给我必需的经验”。这样的经验的获得,需要经历残酷的败北。某种程度上说,神灵真的应允了他,因为失败的经验,是一位球员宝贵的财富,他没有别的途径可以获得它,即便他最不想要的就是失败。
所以,湘北只要打败山王就够了。接下来的全国大赛,必定是“输”。因为真正热血的少年时代,绝不可能只有“赢”。湘北五虎将,也该去感受属于他们的那些“必需的经验”。
年少时的我们,或许并不能完全理解“打败山王但没有夺冠”的结局。但遗憾的热血,远比圆满的热血更为动人。这大概是只有当我们不再少年时,才能读懂的、热血最深处包裹着的那层酸楚。
明知前路如何,却仍要走上那条路。少年的选择,从来不会权衡,这便是身为成年人的我们所无法拒绝的那份热血。它写着青春的名字,在这个青春的体育馆里,看起来仿佛只有篮球,而我们只有在看过世界之后,才能读懂,里面其实放下了整个宇宙。
二刷之后的深度评析://movie.douban.com/review/15127424/
感兴趣可以看一下。
看完原作漫画的时候我一直在想篮球到底意味着什么,它小小的,小到有的人可以单手抓住,但同时它也大大的,大到可以涵盖球场上的一切,队友间的友情,队员与教练的信任之情,与家人的亲情,还有和观众之间通过球场连接到一起的共振,为之呐喊为之振奋,队员再通过这股力量继续保持着对于比赛的激情与亢奋。篮球,大概就是四十八分钟内的拼尽全力。
这部剧场版的山王之战是整部漫画我最喜欢的、最为之动容的、最为之颤抖的一个篇章,它作为整部漫画的最后一个篇章,在极速登上山顶之后又迅速收尾,以失败的结局结束了整部漫画,有人讲青春就是充满遗憾的,但井上的遗憾不单单是代表着一种不甘,更多的是拼尽全力之后的满足,踏上一直期待的全国大赛的地板,我们到底得到了什么呢,或许为了山王之战樱木落下了背伤还没有康复,赤木称霸全国大赛并且保送进篮球名校的的梦想也破灭,木暮作为球队重要的基石在最后一年给充满冲劲的年轻人让路,但这样的结局也是最好的结局了,它虽然匆匆收尾让人遗憾,但它同样代表着把故事舞台交给观众来书写,流川成为日本第一高中生了吗,樱木的背伤恢复了吗,我们不得而知,但一切的经过都会在这部剧场版中完成青春中记忆的最后一块拼图。
看完结尾之后很难评价,但结尾之前一整段还是哭得很惨。为了保证宫城为第一视角来叙述回忆,原创了很多内容,比如关于宫城的原生家庭亲情线。而在我个人不喜欢的结尾更是直接与漫画结尾相反,让宫城在美国与泽北相遇,而且删去了原来的字幕“湘北由于在山王站之中耗尽一切,在与爱和的下一轮比赛中遗憾出局”,这样的处理不能说不好,只能说确实挺任性的吧,毕竟在剧场版的角度来说,更为丰富且完整了宫城的形象,也算是做了一个收尾。
而且在回忆之中观众得知了这个169cm的小个子控卫在无比强调身体的篮球运动中的生存之道,但大量原创篮球场之外剧情的同时必然会损失很多关于篮球场之内的细节,山王队在前期给的球场压迫力一直都存在缺位的情况,只能说井上雄彦作为一个非常有自己个性的漫画家的初监督在这部剧场版里任性十足,三渲二的画风也保证了他能够最大程度发挥自己漫画家得天独厚的分镜天赋,升格、加速、快速剪辑和各种球场内的大幅镜头变换给球场空间创造了一个很好的空间感,最后长达半分钟的静音仿佛听得到自己的心跳砰砰声,做到了很好的与球场内的连接与共振。
另外一个不满的地方可能就是山王篇章里我最喜欢的两句台词之一的上图这段被删了吧,作为一个和第一话非常好的call back,真的看到这一句要哭出来,那个只为喜欢的女生而打篮球的樱木,也在这四个月的篮球之旅中得到了属于自己一生的瑰宝。
说了这么多,所以虽然有遗憾,但是我们都曾努力燃烧过,已经在球场上献出了自己的一切,我们不曾后退,因为我们是湘北,是樱木花道、是流川枫、是赤木刚宪、是三井寿、是宫城良田,湘北的夏天虽然在山王之战后结束了,但球场上会永远记得那个热血澎湃的球队。
用一句电影里的台词来收尾的话,“老爹,你最辉煌的时候是哪一刻,代表日本出战吗,而我就是现在了”
—【THE FIRST SLAM DUNK】的制作,是怎样开始的呢?
最初开始接到offer已经是十多年前的事了。那个时候收到的视频样片,因为跟我想象的完全不同,于是我就拒绝了。但虽说视频样片很短小,作为影像制作起来还是很辛苦的,在那之后,制作方又给我带来了很多次,当中让我感受到了制作方的热情。
—最终决定要开始了,是什么时候的事呢?
是2014年。决定的点是因为当时视频样片的「脸」。我感受到了制作方把灵魂注入在里面,感受到了一种直接的诉求。
—也就是比起技术层次和影像的质感,热情和注入灵魂这种感情方面的比重更要是吗?
是的。因为我其实不太懂动画制作的技术方面。我觉得这只是一种手段。例如这次关于篮球的场景都是CG制作的,10个人在场上跑来跑去运动的画面,如果没有CG用笔画是绝对实现不了的,所以就采用了这个手段。
—从决定制作开始那刻起,您就已经想好了要监督和脚本都自己担当了是吗?
其实当时也不是这个打算,但是从说出口「让我们开始吧」的那刻起,就觉得制作电影这件事,已经跟自己形成了某种形态上的组合了。如果不是这样,自己也无法接受的。例如,看了视频样片之后,「这里我想要这样」我把如果我是观众的感受传达出去了。这样的话我想【SLAM DUNK】电影化还是多少跟自己有关系比较好,这样对作品也更好,我想我的读者们也会更开心吧,基于类似这种想法占了很大一部分。
—虽说如此,但是希望跟电影作品有点关联的部分,和成为电影的监督,当中的分量是截然不用的吧?
是的(笑)。这又是之后发生了很多事情的结果了,作为电影制作我是这个完全的门外汉,由自己的口中说出「我要做监督」,也是跟一直以来参与的别的活动中得到了一些胆量有关。例如「最后的漫画展」的时候,跟这次一样,在会展场里我也是个十足的门外汉在参与着。因为类似这种的经历有过好多次的缘故,可能这是能够让我能够在往前进一步的理由吧。
—「井上雄彦的画就像会动一样」本作就是给大众有这种感觉,您是怎么实现的呢?
我会有一种「我想要这种感觉」的预想,但我却没有能去实现它的经验和知识。我只能说出「这种感觉」提出一种感受,但是经验丰富的制作人员就会展示给我说「是这样的吗」然后进行解释,我在回复「我还想这样试一下」这种。并不是从最初开始就明确「这里会是终点」,然后全员向着那一点前进。而是通过我们这样一来一回的沟通和积累,然后渐渐才有了「终于到达终点」的感觉。
这次我做监督感受最深的是,电影是要借助很多人的力量去完成的,绝不会100%完全按照我的预想进行。和漫画「只能都自己来完成」完全不同的是,电影是一个人绝对做不出来的。同时我也认为,也许这就是去做电影的意义吧。在这个过程中,我尽量减少「这里的感觉不太对」的部分,相反「啊!这样就能变得更好了」的部分去活用它,最后做出了这部电影。
—真实的篮球表现是本作的一大特长,关于比赛的场面制作中,您觉得最重要的点是什么呢?
说到非常细节的部分,就例如脚的踏地方式,或者是拿到球的瞬间的身体反应,准备投篮的时候,刚刚好的时间点的掌控这些,我自己是凭着身体感受来直接画出这种篮球感的。
但是制作人员全员并不是都打过篮球的,关于篮球的这种细微差异究竟可以表现出多少其实是一个悬念,但是制作人员大家都实际去学习了篮球,想自己去感受一下,听到这件事我真的觉得大家都好厉害啊。希望他们现在还能喜欢篮球,不要因为这次的工作辛苦到「再也不想看到篮球」就好了(笑)
—原作当中的内心独白和笑点,都很大胆的删除了呢。
做出这个决定也是感觉到很痛的,原作中很细致的那些笑点无论如何都插不进电影里了。漫画里的笑点,可以用小的方框和文字直接写进去。但是电影的荧幕是尺寸是固定的,在角落里即便是安插了笑点也是注意不到,在大的画面上果然就是不同的,这里的差别非常的大。
不过也有我自己不够成熟的可能,如果是漫画可以更改方框的分割方式,从中进行操作,但是电影里,这种方式我没有找到。但是比起来一直去纠结这点,倒不如把漫画就是漫画,电影就是电影,去用不同的观看方式给完全切割开,这次就是更着重在关于篮球真实的这个部分了。
—主人公从樱木换成良田,应该有很多粉丝都很吃惊吧。
如果只是按照原作来做同样的东西,对我而言实在不太有欲望。如果重新做一次「SLAM DUNK」的话,希望从一个新的视角入手,良田在漫画连载中也是我想要更多去描述的一个角色。3年生是以大猩猩为中心,三井也有他自己的故事,樱木和流川枫是对手,身为2年生的良田被夹在中间。于是我这次就想讲述良田。
—在原作中关于角色家庭的故事不太出现,这次却讲了宫城家,而且描述的很深刻。
当年漫画连载的时候,我是20岁左右,我最擅长的是描述高中生的视角,或者不如说我只知道高中生的视角。在那之后我年纪也长了,视野随之也变宽了,我想要描述的东西也变的更多了。在「SLAM DUNK」之后我也画了「浪客行」「REAL」,也被他们影响到了,我想这是一个自然的变化吧。
—关于这次电影声优的选择,最重视的是什么呢?
是声音的质量。在画漫画的时候,虽然不是每个角色的声音我都能想象的到,但是声线的厚薄,高低,是不是有些沙哑还是很粗壮,有类似这种「质感」的印象,于是就按照这个去寻找合适的人选。
—录音的时候,是有什么样的指导呢?
比起动画片的演技,希望他们只是普通的高中生,最重视的就是这个普通的感觉。会先跟声优讲解「这家伙就是这种人」然后在角色说明之后,在表达出「尽量您接近您最真实的声调就可以了」这一点。
通过录音,我也发现了一件事情。漫画中的角色虽然听不到他们的声音,但是根据漫画的文字的大小,形状,位置等,就能够察觉到他们讲话声音的大小。跟声优说「麻烦您这里请这样」,当我做出这种具体的要求的时候,那是因为在我心里已经知道应该是什么样子了。
—录音完成后请问您的感想是?
我真的很感动。我是第一次跟声优和现场的制作人员一起工作,突然就来了一个人,然后进去录音间(为了corona对策是单独录音制),背后是我在一直注视着他的演技,结束之后「谢谢—」就走掉了。这种两手空空轻松的感觉,我这样说可能有些失礼,但是只用声音就能决胜负而离去,很像是用一把剑战斗的剑士一样。
当然不单单是因为轻松上阵的关系,大家都有很认真的思考「到底怎么演出这家伙呢」。因为比起上次收录的时候,这次的表现更上了一个台阶的优秀了,一定是回去认真思考,试过各种各样错误的结果,真的是太感谢大家了。
—主题曲「The Birthday」和10-FEET选择他们的过程是?
故事的开篇是由一个音开始,渐渐的音符增加,将一些不安稳的气氛拉长,引入故事,我最初是从这个印象开始。The Birthday我一直都是他们的粉丝,于是我就希望能拜托他们来。
10-FEET这次,为故事的结局,也是付出了很辛苦的体力劳动。原本就提出了很多音乐样本,但我还是提出「希望能多一些这种感觉」,于是每次都能给我新的东西,他们毫不厌烦的在一些细小的部分改了很多次,是真的非常尊敬了。
—从监督的角度来看,关于音乐,具体的希望是什么呢?
基本上跟刚才关于画的部分是一样的,从我这里先提出「想要这种感觉」,然后通过跟大家的沟通,慢慢往后进行。比赛中的SE(效果音)姑且不论,关于音曲中「这个音是对的」这种目标我是看不到的。只是偶尔感觉到「这个有些不对」的时候,就这样把我的感受传达出去,每次听到音乐渐渐变强,都会觉得「音乐的力量真强啊」。
—制作人员说「总是被监督判断的正确性给吃了一惊」,即便是稍微有点点声音上的不对,监督都能说的出「这里是对的,那里不对」这样的判断。
如果是这样的话,那可能是因为我还没有形成习惯吧。对于我来说并没有「这个应该是这样的」这种定型的想法,换言之可能正是「没有先入为主,所以可以得出判断」,在说的过分一些的话就是「我正是因为什么都不懂,只能动员自己的全部感受从1开始思索了」
也正因如此,很多没用的东西也产生了,这次无论是音乐也好,电影的画面也好都有这种感觉。「这里多用些力,在那里就稍微节声一点了」像这种经验,知识和技巧也我都没有,本来能够节省一些力气的人,还要绕路来配合我,大家真的是很辛苦,即便这么辛苦也忍耐着跟我一起,一边去摸索着最好的方式,真的非常感谢制作人员们。
—井上监督一直以来,总是在挑战新的事物,本作也是一个全新的挑战,请问您的原动力是什么呢?
那就是漫画吧。如果从外部来看我好像做了很多漫画之外的事情。在我自己的世界里,只有一条路。全部都是我直面作为漫画家的身份,所有得到的经验最后都会用在漫画里面。美术馆的展览也好,插画的工作也好,像是这次的电影也好,对于我来说全部都是「漫画是可以做到这些的」,以此为基础。积累了各种的经验,自己渐渐变的强大了,最后全部都和画出更好的漫画链接在一起。
—最后有什么对「SLAM DUNK」的粉丝说的话吗。
全新的视点,全新的角度的「SLAM DUNK」做成了。漫画作为漫画,动画片也一如既往的可以看,然而电影请作为「一个全新的生命」的作品。从根源上他们都是相同的,「我了解『SLAM DUNK』,但是这样的『SLAM DUNK』还是第一次看到」,如果能给您带来这样的感受我会觉得很开心的。
(注:本文有部分剧透,介意的慎点)
电影散场,后排一个姑娘默默的吐槽了句:啊?没啦?这就没啦?
是啊,这就没了...
鱼柱没出来切萝卜,仙道没和流川SOLO,樱木也没对晴子说出那句:
“非常喜欢!这一次绝不说谎!”
我能理解电影版选宫城作为主角的原因。
诚如很多人提到的,在湘北五虎里,宫城一直是最被忽视的那个,流川和樱木的经典双主角,三井的浪子回头,赤木的隐忍坚守...
在动漫里,井上对其他人的刻画已经足够完备,只有宫城,虽是主角团的一员,却一直稍显尴尬,低调的仿佛“小透明”一般。
宫城线的确有太多要补,可以理解。
但问题在于,电影版在补宫城线的同时,偏偏选择了山王战这一节点作为展开背景。
湘北VS山王,这是SD全篇里的最高潮,也正是经由这一战,湘北五虎完全觉醒,每个人的成长达到顶峰。
赤木被大和田打懵,选择了相信队友;流川被泽北压制,终于学会了传球;宫城被深津紧盯,用速度捍卫尊严;三井体力耗尽,顶残血三分板命;就连一直以“天才”自称的樱木,也靠着一记悲壮的飞身救球,确定了自己对篮球的心意..
山王战原本是场太过精彩的群像戏,正常来讲,单拎出任一条线来进行叙述,都会是好看的。
但电影版还是“翻车”了,因为井上实在太贪了...
电影版一方面太想补足宫城线,把大幅的篇幅给了宫城,另一方面,又想尽量保留原作中的那些经典画面,不敢大刀阔斧地删改。
什么都想要,结果,反而是什么都得不到...
正常的电影逻辑里,观众跟着一个角色一起经历挫折、低谷、自我怀疑,然后故事来到高潮部分,主角以成长后的爆发扭转战局,为观众提供足够的情感释放,以此达成闭环,形成人物弧光。
但在电影版里,这一循环被无限弱化了。
从宫城这一角色来说,突破山王防守的那一幕,是其在整个故事中最最重要的高光时刻。但从整个山王战的故事来讲,这个“高光”却又太微弱了。
它不是湘北的致胜时刻,甚至不能算湘北改变局势的最关键时刻。
于是矛盾出现了。
导演在故事开始,花了一半的篇幅,来对宫城进行刻画描写,却又在故事最后,将高潮定格在流川与樱木进球后的“世纪击掌”。
观众花了两个多小时的时间,看着少年宫城一步步成长,然后在最后的两分钟,在两位真正的主角闪耀表演之下恍然回首,哦,原来,主角不是那个少年啊。
这种叙述方式,近乎残忍。
而问题还不止于此。
一般而言,在关键时刻插入部分记忆闪回,能有效帮助观众理解角色在这一刻的所思所想,是有利的。但频繁的闪回,只能干扰观众的沉浸感。
对于本片,导演在比赛中反复插入宫城的回忆,不仅打乱了整场比赛的紧张感,也使得观众对于除宫城以外的其他角色,无法深入感悟。
樱木跳上桌子,高喊打倒山王那一幕,本来应该是很热血的一幕,但我所在的场次里,大家却都在笑。
“对我来说,最光荣的时刻就是现在!”
这大概是除了“教练我想打篮球”之外整个SD里最燃的一句台词。
但在电影版里,喊了吗?喊了。燃了吗?好像又没燃。
更遑论最后的“世纪击掌”…
的确,当那些熟悉的画面再现的时候,我还是会有那么一些触动。
但比起预期而言,这份触动,显得太轻飘飘了...
SD的确是一部神作,它所描述的热血、青春,给曾经的我们带来了太多的感动。
对于这样的一部作品,要求观众抛开情怀的去看,是不可能的。
但如果看完全片,留给观众回味的仍然只有情怀,亦或是最初那些感动的残留倒影。
那我觉得,这样的一部作品,多少是有问题的。
⬛拒绝蓝天的天空
灰暗的天空撕裂了《灌篮高手》动画迷对那个怀想中的湘南的印象。
《灌篮高手》(Slam Dunk)时隔二十多年的动画电影《The First Slam Dunk》做了一件“残酷”的事情。这部电影改编的是漫画原著中最后一场比赛“湘北对山王工业”,也就是湘北进入全国大赛的第二场比赛。这是老 TV 版《灌篮高手》(1993-96)没有改编的部分,能看到全国大赛的动画成了当年许多观众粉丝难以释怀的念想。(为了区分 TV 版《灌篮高手》和新电影版《灌篮高手》,下文前者以“TV 版”称呼,后者以《The First》称呼)而 TV 版在这二十多年里红遍了整个东亚,成了许多少男少女的青春一部分,而日本国外观众也对该作的舞台——湘南镰仓——产生了无限念想,那个海天一色的海滨,那个泛着晶光的江之岛电铁道路口……
许多人早已把靓丽的滨海景色与《灌篮高手》绑定在了一起,认定那就是独属这部作品的青春风景。奠定这种风景的基调离不开上世纪八十年代日本所谓“City Pop”的影响。TV 版的班底,即导演西泽信孝带领的东映动画团队,在制作该作之前还做过一部 OVA 《湘南爆走族》(1986-99),我们能从这部作品找到《灌篮高手》的某些文脉:《湘南爆走族》的舞台同样是湘南,和《灌篮高手》一样都以不良少年为主角(日本漫画中有一个小分类是不良漫画,诸如《湘南暴走族》《灌篮高手》《麻辣教师GTO》)。《湘南爆走族》无论是每集一首流行乐主题曲(其中就有 City Pop 的代表歌手杉山清贵),还是开头几集的美术基调模仿了 City Pop 专辑封面画师铃木英人的 ligne claire 风格和永镜博的高对比度色块风格,都能证明从 City Pop 塑造了《湘南爆走族》的风景,我们能见到 TV 版对如此湘南风景一脉相承的刻画。
但这些充满爽朗蓝色的风景被井上雄彦亲自改编的电影拒绝在外。电影以湘北队不起眼的宫城良田为主角,从他那同样是滨海的冲绳家乡回忆开始说起,到他后来搬来镰仓,无论天空还是海色都像是随着宫城灰暗的童年般蒙上了阴郁的颜色。
迷惘的老观众不禁问道:然而那个回忆中熠熠生辉的风景去哪了呢?
不仅如此,《The First》也没有沿用 TV 版的角色设计,而是在还原漫画画风的同时,更适合所谓“三渲二”的 CG 来表现。而用 CG 也比手绘动画更适合表现篮球运动,篮球运动对于手绘动画的难点在于这种运动不仅涉及多人运动,因为篮球运动范围极其自由,在影像表现上还涉及运动的身体与空间的交互关系,摄像机跟随着身体的运动,固然也涉及到空间的运转。手绘动画需要做到如此调度是强人所难的,而当时还是赛璐珞动画制作的 TV 版受媒介限制,许多时候并没有展现篮球运动应有的影像演出。
在我看来这部电影的“情商”在于,它用心思考了何时用 CG 表现,何时用手绘动画表现(同样是东映动画制作的电影《龙珠:超级人造人》也具备这个“情商”)——手绘动画大多出现在宫城的回忆之中,这些情节关乎家族关乎个人,笔者在以前的文章中指出,手绘动画图像之间存在着非同一性,甚至是同一张画同一条线条内,都可能存在着因为下笔力度不同而导致的粗细不一,手绘动画在通过符号化诠释现实、进行写实活动时,它所具备的不规整、非同一性释放了现实世界均一的、固定的特质,因此在诠释真实、人情味这件事上,手绘动画有着不讲理的特权。
对于井上雄彦来说,《The First》这部直接改编《灌篮高手》漫画的电影(并非延续老 TV 版《灌篮高手》故事的“剧场版”)——做个类比——就像同样在上世纪九十年代的作品中表达了某种感伤的动画导演庵野秀明一样,在新世纪二十年代以一部《新·福音战士剧场版:终》毅然拒绝伤感、断绝过去,井上也做了一部属于自己的“新·灌篮高手”。
⬛拒绝伤感的感伤
关于为何主角是宫城的解释有很多,有人说原作对宫城的描绘在五人中偏少,最有创作空间,CCTV6 的影评节目也指出宫城的身高在五个人当中最矮,最接近我们普通人的身姿等等。如何解释、解读这一点并不重要,关键是宫城当了主角之后,故事如何演绎。若把 90 年代创作出来的原作故事当做既有历史,而当下的我们又已经知道了“历史”的结果,新时代如何料理这份早已注定结果的“历史”,如何让“历史”蜕变成“新”或“The First”,成了这部电影最关键的课题。
电影中的宫城从小失去哥哥,被母亲和周围的人与哥哥对比,这种从小伴随他的残酷导致他获得一种对世界过于理性看待的感伤,《The First》从头到尾灰蒙蒙的天色正是宫城内心世界的外在化。唯独出现过一次蓝天白云的景色,是宫城搬到镰仓后,骑摩托车逃避、出车祸前,他看见隧道另一方出现了明媚的故乡幻象。诚然,《The First》是一部理性而感伤的电影,然而它拒绝了廉价的伤感——这之间的区别是后者来自一种令人沉溺其中的怀想与忧伤——即使影片中频繁出现的老式电视机不断暗示着 90 年代的背景,但它还是极力拒绝引导观众注视那些名为“情怀”的幽灵,宫城所见到的故乡幻象也暗示了这种乡愁的虚无。
正如井上雄彦所说,《The First》“是以‘一个新的生命’为理念制作出了这部电影”,能让“看过《灌篮高手》”的人有一种“第一次看到这样的《灌篮高手》”的感觉,因此他并没有直接照搬漫画的“湘北对山王工业”一赛,也没有延续来自九十年代的青春幻影做一部基于 TV 版的“剧场版”,因为这要求观众具有一定的前置知识,会取消电影作为独立作品的可能性。想要做电影(cinema)的井上直接让整一部电影聚焦这一场比赛,戏内戏外,比赛即电影、电影即比赛。
再者,关于其他角色的塑造,电影基本围绕宫城的视角,也就是说宫城是怎么看待其他人的,在宫城眼里这些人发生过什么事,是怎样的形象,如此以宫城为重心展开演绎。电影在宫城的主观视角和做减法的纯粹电影方针上,原作中各式各样的青春群像也不再是电影主要的表达,因此也对其他角色的情节进行了大刀阔斧的删减,比如樱木花道对赤木晴子的告白这段来自原作的情节,在电影如此形式下反而成了节外生枝,加入电影很可能有损这份纯粹。更何况,电影也没有漫画的篇幅去描写樱木与晴子的关系渐变,突如其来的告白若放在电影中宛如去掉了开头和过程只留下了结果,这无疑与“The First”的理念相违背;又比如被许多人都认定为三井寿名场景的“教练我想打篮球”,这个三井寿浪子回头的一幕同样在电影中被隐去(以宫城的视角,完全可以把这一场戏做出来),这似乎也展示电影的果断,不必出现的情节就不出现,更别说照顾老观众的情怀。如此看来,再问为什么没有出现那些耳熟能详的音乐歌曲已是无礼。
高度纯粹的《The First》和另外两部同样上映于 2022 年的日本动画电影有着异曲同工之处——《犬王》和《航海王:红发歌姬》,这两部作品都有意削弱繁杂的情节和戏剧性,观众只需要沉浸在演唱会或比赛的狂欢与刺激中。某种意义上,这三部如此纯粹的电影甚至可以代表 2022 年日本动画的某种特征,大部分的电影时间和现实时间几乎同步,时间跨度较大的叙事形式甚至是戏剧性被放置在次位。
⬛拒绝回忆的回忆
对原作情节的改编,有两处最能体现《The First》的改编风格。
一处是比赛即将结束,湘北仍差山王工业一分时,山王工业的泽北从樱木抢过篮球跃起准备灌篮时,不料樱木比他跳得更高,硬是把球从空中抢回来。此时漫画用了一个全页展现樱木跳起在空中抢球的瞬间,与眼前一亮的全页、写实的空间透视、紧张的氛围格格不入的,是樱木那极具卡通色彩的贱贱表情在篮框外露出,并配以台词“还给我”。漫画出现全页,一般都是为了描写某些在视觉上给予震撼的画面,对比前页的普通漫画格子表现,原本跟随每一格流动的时间在这个全页中宛如静止了一瞬间。此处樱木的嬉皮消解了漫画全页的经典功能,正如这个不走寻常路的篮球新手却能破解对手的进攻,如此漫画表现方式也让读者忍俊不禁。
而《The First》表现这里的笑料,则通过漫不经心的配音演技把“还给我”这句台词说出来,以对比此前精神紧绷的情节。在说出这句台词的时候,镜头并没有切到樱木的特写,也就是说声音没有对应的画面,但恰恰是这个不占据中心的声音把这一球给夺回来,樱木再度成为了比赛的重心。这个漫不经心、没有对应画面的声音同样缓解了紧张的比赛氛围,构成了笑料,这和漫画的那张全页中樱木同样不占据画面中心、消解严肃的半张臭脸有着异曲同工的作用。
如此细微的一个改动,证明了《The First》取消了漫画甚至是 TV 版中具有漫画符号式的表现。井上雄彦还提到,漫画设置笑料,可以放在不显眼的小格子中,然而改成电影的话,不可能用整个画面专门表现这个不显眼的笑料。笔者认为,如果要把漫画中的笑料原封不动照搬,不仅会导致影片整体松垮不紧凑,影响了叙事的流畅,同时也破坏了影片模拟实拍电影的写实风格,因此樱木的臭脸并没有出现在银幕上。
第二处是漫画进入比赛最后几秒,也就是零台词的那几页之前,最后一次出现文字是矩形框中的旁白,这段旁白说明了安西教练想要把樱木换下来,看到这个情况的山王工业教练堂本判断樱木已无力抗衡,打消了暂停比赛的念头。而在电影中,不靠任何说明性旁白、角色台词就展现了安西教练找裁判、堂本教练停下了发出暂停信号继续让比赛进行下去这段情节。这段的改编意味着电影的风格直接、不加修饰地呈现电影内部世界,没有故事之外的客观说明,这部电影的比赛段落就好像诞生在二十世纪六十年代的“直接电影”,作者不介入、不干预,是一种冷静观察的模式,摄影机拍到的即是一切。总之,《The First》在动画中致力表现一种只停留在写实世界的表面表现,拒绝对这场比赛用解释、阐释进行所谓的内部深入,这导致了漫画中大量的角色内心台词、观众反应、裁判解说都大刀阔斧地删去。漫画符号式的表现(比如 Q 版人物、夸张表情)被删去也出于一样的原因,这种符号式表现和阐释性的解说一样,是对故事世界的一种去写实演绎。
通过上述两种改编方针,这部电影即比赛、比赛即电影的作品保持了止步于表面的纪实的纯粹。这也出现了另一个问题,插叙的回忆内容会有损这份纯粹吗?尤其是在这样一部把通往过去的退路给切断地作品中,以回忆的方式讲述球场之外的故事。
这种止步于影像表面的真实性也同样影响了本片处理角色主观世界的方式。《The First》在比赛中,大量加入了宫城的回忆插叙,但仔细观察会发现,这些回忆也仅仅以影像呈现出来,回忆的世界和客观外在的现实世界一样基本没有任何内心台词,也就是说即使是处理回忆这些主观视角时,未曾对回忆进行解说。这好像只是过去时世界的展现,非独属宫城一个人的记忆。
其次是回忆看似是一个往回看的动作,但在《The First》中,回忆是展现向前流动的时间。
漫画中这一场比赛,越到后面就越强调时间的存在,尤其是比赛剩下几十秒的时候,两个队伍在相差一分的互相角逐,比分板倒计时的画面同时出现在分格,并精确到每秒发生什么事来呈现事件,宛如影像的平行剪辑一样。无独有偶的是,同为九十年代《周刊少年 JUMP》的门面漫画《幽☆游☆白书》(1990-94)也尝试使用过时间做文章,该作作者富坚义博的漫画时间操控在《全职猎人》(1998-)的“蚂蚁篇”达到巅峰。“蚂蚁篇”本质上就是一个巨大的时间概念,闯入皇宫之前的章节是一个超长的倒数,仿佛就像是闯入之后那无限蔓延的时间感的预演,闯入时刻度为零,之后的时间才开始顺序向前。从零点开始闯入皇宫,之后就不断显示时间的数字每一秒都塑造了角色的强大、任务的艰巨、每个角色内心的挣扎、时间感的漫长。“湘北对山王工业”一赛同样是一个时间概念。
漫画中,越到最后,时间越是像被无限拉长了一样,尤其是最后零台词的几页中,一秒之中似乎可以发生许多事件与转折,通过把时间放大,读者可以意识到赛况转折之复杂、双方队员如何拼尽全力。此处再出现台词——或说声音已是累赘,因为此时的时间早已容许不下声音。打个比方,一个格子之中,图像上可能是一瞬间,但格子里的文字,光是角色说完整段话就注定不可能是一瞬间,此处出现声音必定会把拉长的时间感打破。总的来说,漫画中的时间是越到最后越是被拉长,最后樱木投篮得分、确定了湘北的获胜后,时间才“恢复正常”。
但电影是先把时间放大,到了无需台词的时刻让时间回归正常,完全与现实时间同步,角色快速的身体运动不只是彼此之间的角逐,更是与时间竞速。这里把时间放大的方式便是不同瞬间切入的回忆,这一秒可以让角色回忆起许多事件,然后这些事件再助推回湘北队在球场上的表现。同时这些回忆的事件从宫城的小学、初中、高中、这一年、这几个月、前几天依时间顺序展现,最终这些向前推进的回忆的终点便是当下这一场比赛。
拒绝回望的回忆不只是个人的主观记忆,而是承载着所有人的时间,它不道任何慈悲,只是向前推进着,默默切断通往过去的退路。在电影中,把少年们逼入绝路的不仅是漫画里那个只有一次的青春,而是叠合了比赛时间、行进的回忆时间,他们必须向前延伸到“现在”,然后“现在”还会继续延伸。最后,电影与漫画在不同时间概念下殊途同归,樱木花道的那句台词宛如所有《灌篮高手》演绎的终点——
“老头子,你最光辉的时刻是何时?是全日本时代吗?
“而我呢……就是现在了!”
除了通往现在,没有其他路线。
⬛拒绝遗憾的决断
若说井上雄彦对自己作品进行大刀阔斧的改编是一种决断,那么他最大的决断在于《The First》必须拒绝遗憾。
我个人觉得,《灌篮高手》和《幽☆游☆白书》的收尾相当相似,不仅因为结束得戛然而止的,还因为它们都具备同一种丧失感:当下匆匆成为了过去。
《幽☆游☆白书》从仙水一战之后,往后的战斗统统沦为了后日谈,这么做除了可以避免重复拖沓的打戏,还有就是从故事一开始,巨大的悲悯让幽助这个内心炽热的少年被赋予了神性,而之后的故事只是对这个少年某一段人生的详解,然而过了这一段我们了解他的人生的阶段,之后少年的成长又被回归到了难以捉摸的神性中。我们不知道他在魔界具体经历了怎么样的大战,不知道他日后会如何隐形于人世,从故事一开始就提炼出来的缘分这个关键词,最终都变成了伴随着“无缘”的丧失感。
而《The First》并没有提到的一个情节是,湘北在与山王工业一战后,湘北就因失去战意迅速在全国大赛中落败。原本与山王工业一战时,在场还有人说“我们正在见证历史”,然而比赛(现在)一经结束,湘北并没有如愿成为历史,湘北的大合照甚至没有登上杂志,原本必将成为历史的“现在”也成了过去中鲜为人知的一瞬奇迹。而之后的情节,包括井上后来在神奈川县立三崎高中废校舍黑板上绘制的全国大赛十天后的故事,都在讲“没有樱木花道的篮球世界”,晴子的第二人称独白代替读者呼唤那个从球场上消失的天才少年。
漫画的最后,向前流动的时间突然戛然而止,变成了从新的当下回忆过往的回溯时间。《The First》拒绝了这份遗憾,并且拯救了这段没能成为历史的历史。电影最后,宫城哥哥宗太的照片——同样是合照湘被放在了家中,宫城也出人意料地在美国发展,宛如把这张照片从漫画版的九十年代世界中捞出来一样,《The First》的湘北真正成为了传奇,宫城和他队员们的青春已拒绝了遗憾,时间的潮汐并没有退回海中,而是渡过了名为“现在”的滩岸后继续向前延伸。
直到最后,《The First》的时间都保持着义无反顾向前的姿态。
或许井上雄彦对于《灌篮高手》已无遗憾了吧。正如他在访谈中提到已经不再像二十多岁,与这群高中生平视着同一风景,如今的他随着视野的开阔,能描写的东西也变得更多,价值观也不再是唯一——宛如《灌篮高手》的演绎方式也不是仅此一种,可以是井上雄彦出道第三年创作出来的漫画原作,可以是西泽信孝为主导的 TV 版,也可以是三十年后重新演绎的《The First Slam Dunk》。
诞生于二十一世纪二十年代的《The First》,正如文章开头所说,宛如和庵野秀明的《新·福音战士剧场版:终》共享同一片时代风景。两位创作者或许在九十年代的作品都表达了某种感伤与遗憾,但三十年后他们再度创造的少年——坐在海边看着无垠世界的少年,拒绝了无谓的伤感。
少年们匆匆地度过了青春,匆匆地卸下了稚气,与电影院中想要回到过去的“少年”匆匆错位,或许也是一种残酷吧。
注:本文的井上雄彦访谈资料来自官方观影手册。
不是“剧场版”,而是“电影”!
流川枫,全片唯一一个拥有下睫毛的男人。
虽然已经是好多年前的事情了,但还是被一点点带出了回忆,好一阵感动。尤其开场那个OP,从草图到漫画到动画,就是一点点成真的感觉,太帅了!其实各方面各角色基本都照顾到了,有热血,有感动,也有很搞笑的地方。而且,能看出井上雄彦相比当初也更成长,想得事情也更多了。最终,这不光是找回忆,这是灌篮高手电影版!
人是活几个瞬间的
看到开篇流畅的画面,我都想好给10分了,但是真的剪的太碎了。我很喜欢宫城良田,我也不反感说良田做主角,看之前甚至很看好良田的视角,因为良田确实是队里最像普通人的,而且没有太多说过良田的背景。但是,故事开始之后,真的不行,良田的这个故事,要么一笔带过,要么需要更多的笔墨,现在不咸不淡,很不舒服,而且这样的穿插,导致比赛很不流畅,我更多的共情是来自比赛的,每当我就要情感上来,热泪盈眶的时候,回忆来了,我情绪也断了。而且,以樱木为主角,所以才会有结尾时的热泪盈眶,现在换了主角,就,,,,情感真的上不来。单把良田的背景故事拿出来,或者单把和山王的最后一战拿出来,都是很精彩流畅的故事,但是把它们组合在一起,就不那么可以了。
全国大赛从高三等到三高
我最光辉的时刻,就是现在了!
最后十几秒,电影院全场寂静无声,没有音乐,没有台词,只有画面快速闪回,直到最后一个球落网,两位大冤家史无前例击掌,音乐响起……电影的魅力就在于此。
山王战,以宫城为主线交代身世背景,很凄惨。3转2真的特别别扭,虽然给了比赛大全景,说是参考真人打球,但反而不如漫画分格的动作流畅。也没有了以前的BGM,流川枫戏份很少,最后出现在美国的居然是宫城和泽北,其他和漫画差别不大。即便这样,还是感动得泪流满面啊😭。
好!想!大!声!说!爱!你!!!
这画风也太塑料磨皮了,把井上雄彦厉害的排线全都省了,糙汉子体育生秒变美肤小鲜肉,球员就像业余时间都在做医美一样,难怪宫崎骏要坚持手绘风,还有,晴子的原画是伊藤润二吗
十几岁模糊的脸 九十年代的夏风 什么也不会带走
在影院里泪水完全止不住
原来在你们的世界里才过了4个月
《灌篮高手》里让我印象最深的两句话,一句是安西教练说的“现在放弃的话,比赛就提前结束了”,一句是井上雄彦在画完《十日后》说的“人生本来就有很多事是徒劳无功的”,这两句话陪我走过了很多年,一句在迷茫时用来加油打气,一句在失败的时候安慰自己。 30年过去了,故事里的少年仍是少年,而我已经成为了他们眼里的欧巴桑。Time waits for no one...
井上雄彦真的要感谢情怀粉,整这种高燃比赛穿插苦情回忆的手法。。我真的不理解,看得人不上不下的,回忆方面的话煽情吧又没煽到心底里,还不如主要煽情刻苦训练方面,次要煽情家庭惨剧。比赛是真的贼精彩!有一些进球的表现力比名场面击掌要好一百倍,还有就是把流川枫要去美国的戏份改成宫城去美国,井上你真的不觉得离谱吗?165日本选手去美国打职业赛??
我们宫城真有男德,他视角下的彩子:美爆了;他视角中的晴子:土肥圆
人在神奈川,影厅几乎满座,今年少说看了几十部院线电影了,这一部是体验最好的。我不知道为什么湘北vs山王这样一场知道结局的比赛能展现的这么好,宫城完完全全的主角,整个片子的节奏感,脚本,人物运动的张力,音乐都是顶级的。画风完全还原了井上后期的写实感。宫城良田和哥哥的剧情,和三井的恩怨,樱木最后绝杀之后和流川枫的击掌,包括“我最光辉的时刻,就是现在”的名场面,眼睛的水龙头就没拧上过。但是前后左右全在擦眼泪擤鼻涕,我也放开了。最高!
2022年,在神奈川的电影院看灌篮高手。看电影途中流的眼泪大概有一半是,“啊,我终于走到了这里”,的感觉。
前后排的中年男人跟我一起爆哭!这是最好的湘北呀!